Por: Sergio Barón

Desde la abrupta interrupción de actividades de la revista Arcadia a mediado de marzo, anunciada junto al despido arbitrario de sus editores jefes, hemos visto cómo el virus y la pandemia han servido de excusa para desarmar a un sector cultural ya de por sí frágil y cómo la coyuntura ha revelado ciertas lecturas arcaicas de lo que el arte y la cultura deberían ser en medio de la crisis. El Grupo Semana, que desde que fue adquirido hace un año por Jaime Galinski —banquero puro— ha experimentado un viraje en sus políticas editoriales para favorecer las ganancias y hacerle el cuarto al gobierno nacional, se escudó asegurando que la decisión se debió a la crisis económica producida por la pandemia. Sin embargo, a través de declaraciones de quienes hicieron parte de la revista en los últimos años, se sabe que las tensiones en la publicación también se referían a desencuentros en la producción de sus contenidos y su rol en la opinión pública. No está demás decir que la revista Arcadia se mostró siempre escéptica de la economía naranja o que desde el inicio expresó las preocupaciones del sector por el cambio de dirección en el Centro Nacional de Memoria Histórica, por ejemplo. No es la primera vez que un medio cultural de carácter impreso es descabezado de esta forma en Colombia, pero en medio de la crisis actual este caso nos permite detonar un análisis de las falencias de una política pública de cultura que ha revelado sus intereses económicos, su comprensión del arte como un producto de consumo y su desdén por el pensamiento crítico.

Pocos días después del anuncio del desmantelamiento de Arcadia, el gobierno nacional lanzó un paquete de medidas de emergencia para ayudar al sector cultural. 120.000 millones de pesos —una parte de ellos distribuidos por los entes regionales— para garantizar, entre otros, la seguridad social de artistas y gestores culturales de la tercera edad o la ampliación de plazos de pago de parafiscales para eventos culturales. Además, han anunciado que se abrirán líneas de crédito a los empresarios que necesiten pagar sus nóminas. Sin embargo, algunas de las ayudas promocionadas para solventar la crisis, como lo son los Beneficio Económicos Periódicos (BEP), son recursos que ya existían para pagar la seguridad social de los profesionales pertenecientes a la tercera edad. Por otro lado, no queda claro cómo van a distribuir esos recursos los entes regionales (alcaldes y gobernadores) pues nada garantiza que sean invertidos en el sector cultural. Además, de qué sirve ampliar el pago de parafiscales a eventos públicos si estos ni siquiera se pueden realizar debido a las medidas de prevención para contener el virus. Finalmente, pedir un crédito a las entidades financieras en este momento no es más que una forma de distribuir la crisis a largo plazo haciéndole el favor a los bancos.

Pero el gobierno, que se jacta de ser progresista en materia de cultura con su discurso de la economía naranja, ha puesto en evidencia su poco interés por el sector con un último decreto, el 516 del 4 de abril de 2020. Este modifica la ley 12 de 1995 que estipula un mínimo de cuotas de pantalla para la producción nacional en los canales de televisión. De tal manera, el mínimo de 70% de contenidos nacionales que los canales de televisión debían cumplir para programar en sus parrillas pasa a ser de solo 20%. Una decisión arbitraria que desconoce las dinámicas del sector audiovisual en Colombia. Si bien es cierto que las producciones están detenidas en este momento, no se puede asumir que no hay suficientes contenidos nacionales para llenar las parrillas de programación. La reducción de la cuota de pantalla elimina una fuente de ingresos con la que muchos realizadores podrían contar en una crisis donde es imposible trabajar y producir nuevos contenidos.

El decreto en cuestión llegó a agudizar la crisis del sector audiovisual, que hace algunas semanas veía cómo se suspendían las convocatorias del Fondo de Desarrollo Cinematográfico, principal fuente de recursos para una gran parte de la producción cinematográfica del país y que se financia gracias a los ingresos en taquilla. En un comunicado, Proimágenes Colombia (entidad encargada de administrar el fondo) hizo saber que se están evaluando nuevas formas para apoyar el cine nacional. Mientras esto ocurría, estábamos atentos a la reunión del concejo nacional de cinematografía de la que se esperaba una respuesta certera sobre el futuro del fondo. Hace unos días se hizo saber que el fondo continúa, solo que herido. Se redujo el capital de inversión en más del 50% por lo que los proyectos premiados este año serán menos de la mitad de lo acostumbrado.

Frente a esto, habían sido varias las respuestas encontradas. Algunos defendían la permanencia de los estímulos del FDC para garantizar el futuro de la producción cinematográfica, mientras que otros defendían la decisión de suspender las convocatorias, argumentando que era una decisión responsable o que este era el momento de “compartir y no de competir” (son algunos de los comentarios que hemos leído en redes). Por nuestra parte, creemos que hubiera sido lamentable la cancelación del fondo este año pues implicaba negar un apoyo económico que es más que necesario en este momento, pero también porque podría sentar un precedente perjudicial para la insipiente industria audiovisual. Y es que si continuaba la producción cinematográfica sin los apoyos del FDC, quedábamos a la merced de una clase política negligente que podría entender al fondo como una fuente de recursos dispensable. Esa previsión pesimista podría verse refutada por la capacidad administrativa de Proimágenes, que en el pasado ha sabido velar por la producción cinematográfica en Colombia, pero la suspensión definitiva del fondo hubiera dado a entender que los paquetes de estímulos, que son lanzados sagradamente cada año en el FICCI, abren convocatoria sin contar aún con los recursos económicos que se prometen. Sin embargo, llama la atención que en los comunicados oficiales han hecho todo lo posible para no hacer uso de palabras como «reducción» o «recortes». Una forma de maquillar un fuerte golpe que genera dudas sobre la naturaleza de los recursos que se habían prometido y que finalmente que no se invertirán este año.

Más allá de esto, vale la pena cuestionarnos sobre los argumentos de quienes apoyaban la suspensión del fondo. Por ejemplo, ¿a qué tipo de responsabilidad se refieren los que defendían la suspensión? ¿Consideran que estos recursos deberían invertirse en materias más urgentes para detener el avance del virus? ¿Deberían otorgarse a los profesionales del medio que son más vulnerables? Efectivamente, el fondo destinará parte de los recursos como estímulos de emergencia a los que ellos consideran los más afectados por la crisis, las salas y los exhibidores. Pero hacer uso de los recursos para financiar otros aspectos de la crisis, como sugirieron algunos y conociendo las precarias condiciones del sector cinematográfico, resultaba por lo menos injusto para quienes nos dedicamos a esto a cambio de muy poco. Además, no había las garantías mínimas para que algo así ocurriera bajo este gobierno que ha aprovechado la crisis para favorecer a los bancos inyectándoles capital que un principio estaba destinado a los entes regionales. Una acción que ya levanta sospechas y que ha devenido en una sesión del control en el congreso en la que los bancos deberán explicar cómo están invirtiendo los recursos y dirimir las denuncias en su contra. Denuncias que también se le hacen a los políticos regionales y que pondrían en evidencia la malversación de los recursos públicos destinados a apoyar a la población para favorecer intereses particulares.

Por otro lado, algunos parecían estar a favor de eliminar el sistema competitivo del fondo por razones “humanitarias”. Compartir y no competir parece una consigan sensata, pero entroniza una forma de solidaridad contraproducente que ha surgido en estos días. Muchos de nosotros hemos querido compartir nuestras producciones para amenizar el confinamiento y entretener a la gente, pero detrás de esa solidaridad se esconde una cultura del trabajo gratis que atraviesa al sector audiovisual. Esta es la oportunidad perfecta para pensar nuevos mecanismos de distribución de contenidos, para romper la verticalidad con la que solemos consumir cine o para generar espacios de encuentro alternativos más allá de simplemente “compartir” cosas en Facebook. Deberíamos enfocar la discusión hacia nuevas plataformas de distribución, repensar el rol de la piratería en el sistema o proponer formas de economía solidaria como las que se han visto en el gremio de los libreros con la iniciativa “Apoyo mutuo”, la cual busca darle visibilidad a las pequeñas librerías y sellos editoriales. Es además, la oportunidad para que el sector reflexione sobre el mecanismo de operación del fondo y su forma de captar recursos. De acá en adelante, las plataformas digitales de distribución también deberían contribuir al fondo pues son estas las que más recursos están generando cumpliendo un rol que las salas han perdido.

También debería discutirse sobre el carácter competitivo del fondo pero no desde la postura simplista de denunciar la competencia salvaje, sino al poner en tensión sistemas de producción que el fondo prioriza desconociendo el hacer de muchos realizadores que, como nosotros, no se identifican con la clásica división de pre, pro y post, o que no requieren de un guion o un gran equipo de realización para hacer sus obras. En suma, discutir sobre los métodos de producción clásicos que el fondo premia. De lo contrario, si no ejecutamos esta discusión a fondo, lo único que podremos compartir es el hambre o la cuota del arriendo, si es que la solidaridad nos alcanza.

 

El confinamiento para prevenir la expansión del virus nos ha sorprendido a muchos en medio de la ya tradicional temporada de convocatorias. Otra forma de cuarentena por la que los profesionales de la cultura tenemos que pasar anualmente para arañar algo del escaso presupuesto público que se destina al sector. La competencia es despiadada —tal vez desequilibrada— y al final muchos nos quedamos con las manos vacías, pero eso es otro tema. El estricto encierro por el que pasamos en estos días nos puede jugar malas pasadas afectando nuestro rendimiento o capacidad de concentración para redactar nuestros proyectos. Así que acá les traemos algunos consejos que nos han funcionado en el pasado para combatir el bloqueo creativo.

1. Identifica tu hora más productiva: todos tenemos distintas formas de distribuir el tiempo, distintas rutinas y distintas etapas del día en las que somos más productivos. Lo ideal es que logres identificar qué parte del día es en la que estás más concentrado o en la que tienes más energía para que la aproveches al máximo. Al hacerlo establecerás una rutina propia que te ayudará a distribuir mejor tú tiempo.

2. No seas tan rígido: dicho lo anterior cabe recordar que esas rutinas que establecemos no deberían ser estáticas. Exigirse demasiado en el cumplimiento de un horario o ser demasiado rígidos podría afectar tu creatividad. Si te fijaste una meta y no la cumpliste no te distraigas fustigándote o forzándote a recuperar el tiempo perdido sin la energía necesaria para lograr tu cometido. Tu proceso creativo te dirá cómo aprovechar el tiempo que has establecido para trabajar pero también te alumbrará el camino sorpresivamente, lo que nos lleva al siguiente consejo.

3. Mantente atento: si la inspiración te llega de sorpresa, inesperadamente, no la dejes ir. Deja lo que estés haciendo y ponte a escribir. Muchas de las mejores ideas pueden llegar en los sueños, antes de dormir o en momentos en los que estamos totalmente relajados. Si eres afortunado y ese momento de iluminación te sorprende, ponte a trabajar.

4. Valora tus apuntes: a veces los proyectos comienzan como una maraña de apuntes en una libreta. Esos apuntes o ideas aisladas pueden ser de gran valor a la hora de redactar el documento oficial de tu proyecto. Allí hay imágenes que podrías aprovechar, conceptos que podrías explorar, bocetos o palabras que podría detonar algo poderoso en el proceso creativo y desbloquearlo si es que hace falta; volver al origen de tu proyecto puede re-encausar el camino. De paso te recomendamos tomar apuntes de todo lo que creas importante o de todas las ideas que te apasionen, pues en el ejercicio de plasmar algo que está en tu cabeza la espontaneidad del apunte es el primer paso.

5. Propón soluciones: es indispensable reconocer el origen del bloqueo por el que pasas. Puede ser un aspecto concreto de proyecto, la redacción de alguno de los documentos que te piden en la convocatoria, decidir qué dejar por fuera y qué no, cómo estructurar los elementos que lo componen, etc. Al hacerlo podrás proponer opciones que te permitirán solucionar lo que te impide seguir adelante. Anota esas posibles soluciones sin la aspiración de llegar a la perfección y juega con ellas. Recuerda que estás en una etapa inicial del proyecto y es acá donde puedes proponer lo que te venga en gana. Lo que nos lleva a…

6. No te censures: en el proceso de formular un proyecto —y la verdad es que en todas sus etapas— solemos censurar nuestras propias búsquedas pensando en lo que los demás pensarán de ellas. Sí, es cierto que aplicar a una beca de creación implica un gran ejercicio de auto-exposición, y es cierto que estamos presentando un producto a un jurado, pero más allá de eso te invitamos a que no seas tu propio juez todo el tiempo. En muchas ocasiones ese es el origen del bloqueo. Lo importante es que pruebes y falles hasta que estés lo más satisfecho posible. De hecho, este consejo podría aplicar para todas las etapas de tu proyecto.

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Por: Natalia Viteri

Desde la luz, del latín –Ablux– Ab(desde) lux(luz). Así es como decidí nombrar mi pseudónimo, mi nombre para mostrar mi obra como fotógrafa.  A veces es mejor no usar el propio nombre, ese que nos fue dado y que ahora es tan inherente que nuestra identidad queda atada a sus letras; la ilusión de libertad creativa es mayor. Así que ahora la pregunta es: por qué Ablux.

Luz. No hay imagen sin luz, no hay cine sin luz. Cuando se habla de luz se entiende que la luz hace alusión a la visibilidad, a una connotación del “bien”, de “lo bueno”, y  lo opuesto de la oscuridad, de la penumbra y de “el mal”, entendiéndose “el mal” en un sentido bíblico.  Mi luz en estos años ha sido la fotografía y la fotografía ha sido mi cura más efectiva contra la depresión. Me mantiene presente y lejos de la oscuridad, lejos de todos mis demonios.  Aunque  me sienta rota, perdida o en el abismo hay una luz intermitente que siempre me trae de vuelta, como un faro en alta mar. Durante los últimos años la fotografía se convirtió en mi principal medio de expresión en el cual me permití ser vulnerable. Así es como nace Vulnerables, un proyecto que reflexiona desde la imagen, el cuerpo como lugar de transformación, de expresión, de intimidad y de representación.

Hace 5 años empecé a tomar estas fotografías con el ánimo de crear imágenes que pudieran representar la emoción a través del cuerpo. En ese momento estudiaba cine, tenía una cámara y quería crear imágenes, usar la fotografía como un diario personal para expresar al igual que con las palabras, todo lo que guardo dentro. Pero descubrí que no solo necesitaba la cámara sino también buscar una mirada y enfocarla.

Mi camino como fotógrafa  ha sido empírico, lo he ido descubriendo poco a poco, primero en el audiovisual y luego la curiosidad me ha ido empujando a seguir experimentando con la creación de imágenes. En este camino me he encontrado con el retrato como una forma de conocer al otro, un acercamiento a quiénes son o de dónde vienen. Pero al intentar descubrir a ese otro me di cuenta de que jamás había hecho esa exploración conmigo, no sabía cómo era la imagen que representaba, nunca me había visto a través de la cámara. Así que comencé a construir una especie de collage de autorretratos para conocer mi cuerpo a través del lente, reflexionar sobre su representación, primero como búsqueda de mi propia identidad y luego como una exploración.

En ese proceso las intenciones detrás de cada imagen y su resultado se han transformado significativamente. Cada año, las imágenes que creo mutan al igual que yo lo hago, se han transformado pasando de un cuerpo a otro, primero el cuerpo de las personas cercanas a mí y luego utilizando el mío propio. Ahora, 5 años después, reviso cada una de esas imágenes y me pregunto lo que tienen en común. Por qué el cuerpo y por qué el desnudo.

Año 2015. Cuando empecé a tomar las primeras fotografías tenía una imagen en mi cabeza de cómo las quería. En ese momento tenía la intención de representar por medio del cuerpo varias emociones. Invité a un amigo, le conté lo que quería y le interesó, así que con él y su cuerpo listos cuadré el espacio, saqué la cámara y empecé a ver en el cuadro qué composición quería lograr. Coloqué unas luces y esa interacción de luz y sombra me agradó como inicio. Fue una sesión muy fructífera. Salieron muchísimas fotos y muchas intenciones detrás de ellas, así que también su resultado fue caótico y desorganizado.

En estas primeras fotografías lo que más me llama la atención es la posición del cuerpo: un cuerpo contenido, tensionado, absorbido por las sombras.

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Viteri, Natalia (2015) Vulnerables. Proyecto fotográfico.

En otra serie de fotos este cuerpo se extiende y se acerca a la luz y ya no intenta perderse en esa oscuridad sino que pelea por salir de ella. Las extremidades se extienden e intentan llenar el espacio.  Luego el cuerpo se integra con estos dos elementos  e interactúa con ellos dentro de la escena y es esa interacción la que le da vida a la composición.

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Año 2018. Inicié con los autorretratos. Tomé una fotografía frente a un espejo cada día durante 1 mes, simplemente como un registro, como una prueba física de ese día.

Al revisar cada una de las fotos me di cuenta de que en cada una tenía una expresión distinta. En unas ocultaba mi rostro y solo dejaba al desnudo mi cuerpo, en otras ocultaba mi cuerpo y me enfocaba solo en mi rostro, un poco triste y serio. En otras me veía mucho más expresiva, dejando ver mi rostro y mi cuerpo totalmente desnudos y, según la posición de mis brazos o de mi rostro, se puede inferir si estaba cómoda o no. Sin siquiera intentar representar nada con mi cuerpo, mi mirada y la posición de mi cuerpo delataban lo que sentía.  Y ahora, 5 años después,  al ver estas imágenes puedo tener un recuento de esos momentos, puedo recordar lo que sentía, aunque en unas fotos no puedo reconocerme. Es mi imagen pero solo puede reflejarse mi yo de ese momento específico. Solo puede reflejar lo que yo quise dejar ver, así que no soy yo realmente lo que quiero retratar sino ese momento específico.

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En este sentido, el expresionista alemán Otto Dix (que tantas veces se retrató a sí mismo) decía que los autorretratos son las confesiones de un estado interior: “Ahí no hay objetividad, sólo transformación incesante; un ser humano tiene muchas facetas. El autorretrato es la mejor manera de estudiarlas”. Así que puede tener sentido el que no logre reconocerme en ninguno de esos autorretratos, aunque sean mi imagen y mi cuerpo los representados.

Cuando fotografío intento seguir mis instintos, no le doy demasiadas vueltas a lo que quiero decir. Claro que parto de una base, que a veces puede ser  una imagen en mi cabeza, otras una idea o una frase, y me dejo llevar por eso, como mi guía. Más tarde, cuando tengo las imágenes, las analizo, me pregunto por qué lo he fotografiado, qué quiero decir y la imagen me da la respuesta. Hay una colaboración, una especie de intercambio entre mi obra y yo.

Así que cuando comencé a mirar las imágenes, tanto los retratos como los autorretratos que había fotografiado, me di cuenta de que todos tenían una cosa en común: la exploración del cuerpo, el cuerpo como eje principal para expresarse y representarse. Hay una búsqueda en cada imagen, una búsqueda de exteriorizar la ansiedad, el miedo y de exteriorizarme a mi.  Las imágenes son una especie de encuentro conmigo, un intento de materializar esa búsqueda de identidad, de representación, de mostrarme vulnerable, de mostrar mi espacio íntimo y privado y, de esta forma, cuestionar la imagen personal, no solo la mía, también cuestionar los imaginarios colectivos de belleza, esos estereotipos impuestos.

Con esto en mente, comencé a fotografiar a mi madre. Me embargó la inquietud de cómo ella concebía su cuerpo, de todas las prohibiciones que ella tiene con su cuerpo, de mostrarlo, de taparlo todo el tiempo, de “ese pudor” infundado. Empecé a reflexionar de dónde provienen todas esas prohibiciones, y por qué se ha reprimido tanto el cuerpo de la mujer.

En las imágenes me di cuenta de que su cuerpo es muy parecido al mío; más bien, que yo heredé muchas de sus cualidades. Me sorprendió verme reflejada en algunas partes de su cuerpo y eso me causó mucha curiosidad. ¿Serán mis complejos con respecto a mi cuerpo heredados también de mi madre? ¿Serán todas esas prohibiciones frente a nuestros cuerpos pasadas de generación en generación, desde las primeras mujeres?

En este sentido el cuerpo se convierte así en nuestro primer espacio de rebeldía, de libertad, de autonomía y de expresión. Un territorio para romper con todas las imposiciones y opresiones de edad, talla, género y sexo.

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